Takashi Murakami’s latest exhibition at Perrotin Los Angeles, titled “Hark Back to Ukiyo-e: Tracing Superflat to Japonisme’s Genesis,” presents a striking meditation on the artist’s lifelong dialogue between Japanese and Western artistic traditions. Running from February 14 through March 14, 2026, the show features 24 new large-scale paintings that emerged from Murakami’s recent pilgrimage to Claude Monet’s garden at Giverny, France.
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The exhibition explores how ukiyo-e woodblock prints of the eighteenth and nineteenth centuries — particularly the bijinga works of masters like Utamaro and Kiyonaga — influenced the color and composition strategies of European Impressionism. Murakami’s new paintings reinterpret these classical Japanese compositions through his distinctive visual vocabulary, merging photorealistic detail with his signature playful motifs and vibrant color palettes.
To understand why this exhibition resonates so deeply, it helps to know something about japonisme — the French term for the profound fascination with Japanese aesthetics that swept through European art in the late nineteenth century. When Japan opened its borders to Western trade in the mid-1800s, woodblock prints, ceramics, and decorative arts flooded European markets, electrifying artists like Claude Monet, Edgar Degas, and Vincent van Gogh. These Western artists didn’t view Japanese art as exotic ornament but as a fundamental challenge to how they understood composition, color, and perspective — the flattened picture plane, the bold asymmetrical arrangements, the sophisticated use of empty space. Japonisme wasn’t simply admiration from a distance; it fundamentally changed how Western artists thought about space, color, and form, and became a foundational influence on Impressionism and Post-Impressionism. The movement demonstrates that the boundary between Japanese and Western visual traditions has always been porous and mutually influential. By returning to ukiyo-e and tracing its influence on Impressionism, Murakami positions himself not as an outsider borrowing Western techniques, but as part of an ongoing conversation where East and West have always shaped each other.
Born in 1962, Murakami has spent decades navigating the space between high art and popular culture, between East and West. In the early 2000s, he emerged as the primary theorist and architect of Superflat, a movement he both named and shaped through his own practice and his gallery, Kaikai Kiki, which promoted a constellation of like-minded artists including Yoshitomo Nara, Chiho Aoshima, and Aya Takano. Superflat posited that Japanese visual culture had never maintained the strict separation between high and low that defined Western modernism. In the West, the entire structure of art history was built on hierarchy — fine art occupied a rarefied realm separate from commercial design, advertising, and popular entertainment. Museums displayed paintings and sculptures while dismissing graphic design and animation as craft or decoration. But in Japan, the visual landscape operated differently. Kawaii aesthetics, toy design, advertising imagery, manga, anime, and gallery paintings all drew from the same visual vocabulary and existed on a continuum rather than in separate hierarchies. Murakami argued that this wasn’t a flaw or a limitation but rather a distinctly Japanese approach to visual culture rooted in centuries of aesthetic traditions. Superflat wasn’t simply celebrating this reality — it was turning it into a critical framework, forcing Western viewers to confront their own biases about what deserved to be taken seriously as art.
Yet this same strategy also made Superflat itself marketable. Murakami’s high-profile collaborations with luxury brands like Louis Vuitton brought his aesthetic into fashion and handbags, while exhibitions featuring his work often included gift shops selling Murakami-branded merchandise alongside designer goods — the ultimate proof of concept that the boundaries between art and commerce had truly dissolved. By collapsing those boundaries so deliberately, he forced the art world to reckon with what it had been dismissing as merely decorative or commercial, while simultaneously turning that gesture into a global commercial strategy.
What makes this exhibition particularly resonant is how it reveals Murakami’s engagement with deep art history, though critics rightfully debate whether the work itself achieves what it theorizes. Some observers argue that the conceptual framework — the idea that ukiyo-e anticipated Impressionism — is more compelling than the paintings themselves, which can feel visually busy or didactic. Others suggest that by positioning himself as a bridge between traditions, Murakami ultimately simplifies both, turning complex histories into digestible visual puns. Yet there’s undeniable intelligence in how he traces hidden genealogies connecting East and West. By placing ukiyo-e alongside Monet-inspired compositions, he suggests that the boundary between Japanese and Western art traditions has always been more porous than we assume.
Murakami’s position in contemporary art remains singular and contested. He works at a moment when global art discourse has expanded to genuinely reckon with non-Western traditions, yet his role as cultural mediator remains complicated by his own marketing savvy and the commercial success that has followed him since Superflat’s emergence. His paintings assume a viewer versed in both traditions, capable of holding multiple references simultaneously — which is precisely what makes them intellectually demanding and, for some, frustratingly overcomplicated. The result is work that oscillates between genuine insight and clever surface-level play.
Takashi Murakami: Hark Back to Ukiyo-e: Tracing Superflat to Japonisme’s Genesis is on view at Perrotin Los Angeles, through March 14, 2026.
VERSION FRANÇAISE
La dernière exposition de Takashi Murakami chez Perrotin Los Angeles, intitulée « Hark Back to Ukiyo-e : Tracing Superflat to Japonisme’s Genesis », présente une méditation saisissante sur le dialogue permanent de l’artiste entre les traditions artistiques japonaises et occidentales. Du 14 février au 14 mars 2026, l’exposition propose 24 nouvelles peintures grand format nées du pèlerinage récent de Murakami dans le jardin de Claude Monet à Giverny, en France.
L’exposition explore comment les estampes ukiyo-e des XVIIIe et XIXe siècles — notamment les bijinga des maîtres comme Utamaro et Kiyonaga — ont influencé les stratégies de couleur et de composition de l’impressionnisme européen. Les nouvelles peintures de Murakami réinterprètent ces compositions japonaises classiques à travers son vocabulaire visuel distinctif, mêlant détails photoréalistes à ses motifs ludiques caractéristiques et à ses palettes de couleurs vives.
Pour comprendre pourquoi cette exposition résonne si profondément, il est utile de connaître le japonisme — le terme français désignant la profonde fascination pour l’esthétique japonaise qui a balayé l’art européen à la fin du XIXe siècle. Lorsque le Japon a ouvert ses frontières au commerce occidental au milieu des années 1800, les estampes, céramiques et arts décoratifs ont inondé les marchés européens, électrisant des artistes comme Claude Monet, Edgar Degas et Vincent van Gogh. Ces artistes occidentaux ne voyaient pas l’art japonais comme un ornement exotique, mais comme un défi fondamental à leur compréhension de la composition, de la couleur et de la perspective — le plan d’image aplati, les compositions asymétriques audacieuses, l’utilisation sophistiquée de l’espace vide. Le japonisme n’était pas simplement une admiration à distance ; il a fondamentalement changé la façon dont les artistes occidentaux pensaient l’espace, la couleur et la forme, et est devenu une influence fondatrice sur l’impressionnisme et le post-impressionnisme.
Né en 1962, Murakami a passé des décennies à naviguer entre l’art savant et la culture populaire, entre l’Est et l’Ouest. Au début des années 2000, il est apparu comme le principal théoricien et architecte du Superflat, un mouvement qu’il a nommé et façonné à travers sa propre pratique et sa galerie, Kaikai Kiki. Le Superflat postulait que la culture visuelle japonaise n’avait jamais maintenu la séparation stricte entre le haut et le bas qui définissait le modernisme occidental. Au Japon, l’esthétique kawaii, le design de jouets, les images publicitaires, les manga, les anime et les peintures de galerie puisaient tous dans le même vocabulaire visuel et existaient sur un continuum plutôt que dans des hiérarchies séparées. Murakami a soutenu que ce n’était pas un défaut mais une approche distinctement japonaise de la culture visuelle, enracinée dans des siècles de traditions esthétiques.
Pourtant, cette même stratégie a également rendu le Superflat lui-même commercialisable. Les collaborations très médiatisées de Murakami avec des marques de luxe comme Louis Vuitton ont introduit son esthétique dans la mode et la maroquinerie, tandis que les expositions présentant son travail incluaient souvent des boutiques vendant des produits dérivés Murakami — la preuve ultime que les frontières entre l’art et le commerce s’étaient véritablement effacées.
Ce qui rend cette exposition particulièrement résonnante, c’est la façon dont elle révèle l’engagement de Murakami avec l’histoire de l’art profonde, bien que les critiques débattent à juste titre de savoir si l’œuvre elle-même accomplit ce qu’elle théorise. Certains observateurs soutiennent que le cadre conceptuel — l’idée que l’ukiyo-e anticipait l’impressionnisme — est plus convaincant que les peintures elles-mêmes, qui peuvent paraître visuellement chargées ou didactiques. D’autres suggèrent qu’en se positionnant comme un pont entre les traditions, Murakami simplifie finalement les deux, transformant des histoires complexes en jeux de mots visuels digestes. Pourtant, il y a une intelligence indéniable dans la façon dont il trace des généalogies cachées reliant l’Est et l’Ouest.
La position de Murakami dans l’art contemporain reste singulière et contestée. Il travaille à un moment où le discours artistique mondial s’est élargi pour véritablement tenir compte des traditions non occidentales, mais son rôle de médiateur culturel reste compliqué par son sens aigu du marketing et le succès commercial qui l’a suivi depuis l’émergence du Superflat. Le résultat est une œuvre qui oscille entre une véritable perspicacité et un jeu de surface habile.
Takashi Murakami : Hark Back to Ukiyo-e est visible chez Perrotin Los Angeles, jusqu’au 14 mars 2026.
日本語版
ペロタン・ロサンゼルスにおける村上隆の最新個展「Hark Back to Ukiyo-e: Tracing Superflat to Japonisme’s Genesis（浮世絵への回帰——スーパーフラットからジャポニスムの起源を辿る）」は、日本と西洋の芸術的伝統の間で生涯にわたって続けられてきた対話についての、鮮烈な瞑想を提示する。2026年2月14日から3月14日まで開催される本展には、村上がフランス・ジヴェルニーのクロード・モネの庭を訪れた巡礼の旅から生まれた24点の大型新作絵画が並ぶ。
本展は、18〜19世紀の浮世絵版画——とりわけ歌麿や清長ら巨匠たちの美人画——が、ヨーロッパの印象主義における色彩と構図の戦略にいかに影響を与えたかを探求する。村上の新作絵画は、これら古典的な日本の構図を独自のビジュアル言語で再解釈し、フォトリアリスティックな細部と、彼の象徴的な遊び心ある motif および鮮やかな色彩パレットを融合させている。
この展覧会がなぜこれほど深く共鳴するのかを理解するためには、ジャポニスム——19世紀後半にヨーロッパ美術界を席巻した日本美学への深い傾倒を表すフランス語——について知ることが助けになる。1800年代半ばに日本が西洋との交易に門戸を開くと、版画・陶磁器・装飾美術がヨーロッパ市場に溢れ出し、クロード・モネ、エドガー・ドガ、フィンセント・ファン・ゴッホといった芸術家たちを電撃した。これらの西洋の芸術家たちは、日本美術を異国趣味の装飾としてではなく、構図・色彩・遠近法に対する自らの理解への根本的な挑戦として受け取った——平坦化された画面、大胆な非対称の構成、空白の洗練された使い方。ジャポニスムは単なる遠くからの賛美ではなく、西洋の芸術家たちが空間・色彩・形態について考える方法を根底から変え、印象主義とポスト印象主義の基盤的影響力となった。
1962年生まれの村上は、高尚な芸術と大衆文化の間、東と西の間を何十年もかけて航行してきた。2000年代初頭、彼はスーパーフラットの主要な理論家・設計者として台頭した。これは、彼が自身の実践と、奈良美智・青島千穂・会田誠らを擁する自身のギャラリー「カイカイキキ」を通じて命名し形成した運動である。スーパーフラットは、日本の視覚文化が西洋のモダニズムを定義した高低の厳格な区別を一度も維持してこなかったと主張した。日本では、かわいい美学、おもちゃのデザイン、広告イメージ、マンガ、アニメ、ギャラリーの絵画がすべて同じ視覚的語彙から引き出され、別々の階層構造にではなく連続体として存在していた。
しかしこの同じ戦略がスーパーフラット自体も商品化した。ルイ・ヴィトンのような高級ブランドとの注目を集めたコラボレーションは彼の美学をファッションやバッグに持ち込み、一方で彼の作品を特集した展覧会にはしばしばデザイナー商品と並んで村上ブランドのグッズを販売するショップが含まれていた——芸術と商業の境界が真に溶解したことの究極の証明となった。
この展覧会を特に共鳴するものにしているのは、それが深い美術史への村上の関与をいかに明らかにするかという点である——もっとも、批評家たちは作品自体がその理論化するものを達成しているかどうかを正当に議論している。概念的枠組み——浮世絵が印象主義を先取りしていたという考え——は絵画そのものよりも説得力があるとする観察者もいる。それでも、東と西を結ぶ隠れた系譜を辿る彼の方法には否定しがたい知性がある。
現代美術における村上の地位は独自であり、かつ議論の余地がある。世界的な芸術言説が非西洋的伝統を真に考慮するよう拡張された時代に、彼は文化的仲介者として活動している。彼の絵画は、両方の伝統に精通し、複数の参照を同時に保持できる鑑賞者を想定している——それこそが、知的に要求が高く、一部の人にとっては苛立たしいほど複雑な理由だ。結果は、真の洞察と巧みな表層的遊びの間を揺れ動く作品となっている。
Takashi Murakami: Hark Back to Ukiyo-e はペロタン・ロサンゼルスにて2026年3月14日まで開催中。
